CLASICISMO VS MANIERISMO
¿Qué le falta en la mano al Abraham de Berruguete?
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domingo, 12 de marzo de 2023
EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA (ESCULTURA)
LA ESCULTURA ESPAÑOLA DEL RENACIMIENTO
Intro: (Pág. 278 del libro de texto).
En el segundo tercio del XVI se encuentran Berruguete y Juni. (Pág. 279 del libro de texto).
Sus obras más conocidas:
Intro: (Pág. 278 del libro de texto).
En el segundo tercio del XVI se encuentran Berruguete y Juni. (Pág. 279 del libro de texto).
Sus obras más conocidas:
ALONSO DE BERRUGUETE
El sacrificio de Isaac y San Sebastián.
Estas esculturas pertenecen al retablo de la Iglesia de San Benito en Valladolid, que talló y policromó entre 1526 y 1532. El retablo fue desmontado en el siglo XIX con la desamortización, y hoy estas y otras imágenes del retablo se encuentran en el museo de Escultura de Valladolid.
Ambas esculturas están realizadas con la técnica de la talla en madera, policromadas con la técnica del estofado. Aunque estaban realizadas para ser colocadas en un retablo, son figuras de bulto redondo, exentas.
Los temas representados son religiosos y tradicionales: el sacrificio de Isaac (por todos conocido) y el martirio de San Sebastián, soldado romano que murió asaeteado por sus compañeros de armas por no renegar de su fe cristiana.
Ambas tallas presentan una composición en espiral, muy utilizada en el manierismo por Miguel Ángel o por otros como Giovanni Bologna, en su famoso rapto de las Sabinas.
Las proporciones se salen del canon clásico, y aunque la anatomía es bastante correcta, las posturas son muy forzadas y poco naturales, enfatizando la expresividad; igualmente las expresiones son muy son muy dramáticas, casi desfigurando los rostros (sobre todo en el caso del Sacrificio de Isaac). Todo ello es reforzado y potenciado con la utilización de la policromía.
Todo ello nos muestra cómo fue el estilo escultórico manierista en España, rompiendo con las normas clásicas y recuperando un lenguaje cercano al gótico, tanto en las técnicas (talla de madera y estofado) como en la expresividad y el sentido dramático de la religiosidad.
JUAN DE JUNI
A pesar de ser francés está considerado como el otro gran representante de la escuela vallisoletana y de la religiosidad popular castellana. Su obra reúne la tradición francesa de su primera formación; la italiana, resultante de una larga estancia en Italia, donde estudió las obras de Donatello y Miguel Ángel; y la española, siendo España el país donde realizó la mayor parte de su obra escultórica.
El entierro de Cristo
Fue realizada entre 1541-1545. Es el
primer grupo escultórico documentado que Juan de Juni hace para la ciudad de Valladolid,
según se reseña en su primer testamento redactado en Salamanca.
Fray Guevara le encargó el conjunto escultórico
para colocarlo en el retablo de su capilla funeraria recién edificada en el
desaparecido convento de San Francisco.
Demolido en 1836, esa obra fue resguardada por el Estado.
Es pieza muy
destacada del Museo Nacional Colegio de San
Gregorio, en cuya colección se hallan otras obras valiosas de Juni.
No se conserva la arquitectura del retablo donde estaba instalado el grupo.
Juan de
Juni realizó esta obra entre 1541 y 1545 expresando en ella un efecto
escenográfico muy logrado. El origen temático de sus figuras están en su tierra
natal de la Borgoña francesa (nació en Joigny) donde abundaba esta representación de Cristo depositado en
el sepulcro, y también en Italia, país que tanto influyó en el Renacimiento
europeo y donde Juan de Juni pasó un periodo de formación artística. Allí
conocería seguramente grupos semejantes, como el realizado por Niccolò dell'Arca en Bolonia.
Pese a todo, el escultor demuestra originalidad y rasgos
muy personales. Se encuentra custodiado, con la desamortización, en el Museo Nacional Colegio de San Gregorio.
El conjunto está compuesto por siete
figuras de tamaño mayor que el natural, independientes cada una salvo el grupo
formado por la Virgen y San Juan. Todos los componentes están situados en una
puesta en escena teatral y muy atractiva para el espectador. Cada personaje
tiene su cometido y así lo demuestran en las actitudes y en los objetos que
portan. El grupo está policromado con una gran calidad pictórica acorde con el
gran valor escultórico que presenta.
En el centro se halla la figura de Cristo yacente, depositado en lo que será su
ataúd.
Los demás personajes proceden a su embalsamamiento. En la esquina de la
izquierda y muy cerca del espectador, José de Arimatea muestra con gran patetismo una espina
de la corona que se había quedado clavada en la cabeza de Cristo.
En la esquina
contraria está Nicodemo que parece dialogar con María
Magdalena. Su mano izquierda reposa en una jarra y con la derecha
sostiene un paño con el que se supone está limpiando el cuerpo del fallecido. Tras
él y de pie está María Magdalena que se inclina con dolor y cariño hacia el
cuerpo mientras sostiene en su mano izquierda el tarro con ungüentos. En el
centro y detrás del yacente se encuentra el grupo de María y Juan; María se inclina entristecida hacia su
hijo mientras Juan acude cariñoso a consolarla. María Salomé que
sujeta con su mano derecha un paño de limpieza y con la izquierda la corona de
espinas que acaban de sacarle al Cristo. El equilibrio del conjunto es
perfecto.
EL CLASICISMO OFICIALISTA "LOS LEONI"
Como en arquitectura, los Austrias mayores utilizaron el modelo clásico para crear un estilo oficial. Durante su reinado se acuñó una imagen de Carlos V como moderno caballero cristiano, defensor de la fe, y como sucesor de los antiguos emperadores o héroes clásicos, y así lo representó el escultor Leo Leoni.
Como en arquitectura, los Austrias mayores utilizaron el modelo clásico para crear un estilo oficial. Durante su reinado se acuñó una imagen de Carlos V como moderno caballero cristiano, defensor de la fe, y como sucesor de los antiguos emperadores o héroes clásicos, y así lo representó el escultor Leo Leoni.
Carlos V y el Furor de Leo Leoni
1551. Manierismo.
Bronce.
El objetivo de Leo (o León) Leoni era plasmar los valores y la grandeza de la monarquía española. En lugar de la madera utiliza el mármol o en este caso el bronce, materiales nobles que dotaban a la escultura de un aspecto más lujoso.
Desde 1456 empezó a trabajar con asiduidad para Carlos V.
Este grupo, de Carlos V dominando al Furor se inspira en el Genio de la Victoria de Miguel Ángel.
La figura del emperador se concibió desnuda, como la de un César clásico, y su armadura articulada puede ser desmontada pieza por pieza.
El emperador aparece con na actitud serena y melancólica, alejada de todo triunfalismo.
El virtuosismo del artista se manifiesta en la plasmación de los detalles.
Grupo sepulcral de Felipe II y su familia, de Pompeyo Leoni
1597-1600
Manierismo.
Bronce.
Carlos V
Felipe II
Esculturas que se situaron a ambos lados del presbiterio en la iglesia del Escorial.
Los personajes están retratados con gran dignidad y levemente idealizados, pero siempre respetando el parecido.
lunes, 18 de abril de 2022
EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA, EL GRECO.
El Greco ( Domenikos
Theotokópoulos).
(Podéis completar con lo que viene en las Págs. 282-283 del libro de texto de Historia del Arte)
Nace en Creta en
1541 y muere en Toledo en 1614
Es uno de los
artistas que mejor supo entender y desarrollar el Manierismo.
Trabaja en España
durante el reinado de Felipe II
Formación:
Bizantina. Nacido en Creta.
La profundidad religiosa y simbólica de su obra parten de su tierra natal.
Marcha a Italia.
Trabaja en Venecia. De Tiziano y Tintoretto toma el
color vivo, brillante, la pincelada suelta y pastosa, los fondos
escenográficos.
En Roma aprende de Miguel Ángel las formas
helicoidales, nerviosas y llenas de tensión .
Llega a España con idea de trabajar para Felipe II en
la decoración de El Escorial.
Vive y trabaja en Toledo. Transmite
en sus pinturas la amósfera religiosa de la España de la Contrarreforma.
Características de su pintura:
Dominio de los recursos manieristas puestos al
servicio de de la fe religiosa propia y de los mecenas y clientes
- Figuras
desproporcionadas, alargadas
- Desequilibrio
y agobio compositivo
- Distorsión
de las figuras
- Pincelada
suelta
- Colores
encendidos e irreales
- Luces
irreales
- Espacio
indefinido y agobiante
- Expresión
de sentimientos religiosos acordes con la Contrarreforma.
Algunas de sus obras más significativas:
La
Trinidad
.jpg)
Llegada
a Toledo
Lo
realizó para el convento de Santo Domingo el Antiguo, en Toledo. Actualmente se
encuentra en el Museo del Prado de Madrid, España.
Clara
influencia de Miguel Ángel en la posición desquilibrada y en las formas anatómicas, musculosas y
fornidas.
También
en Toledo.
Narra
el momento inicial de la Pasión en el que Jesús es despojado de sus ropas.
Cristo
aparece rodeado de un grupo apretado de cabezas duras y sombrías.
A
sus pies, un hombre en un forzado escorzo prepara la cruz y enfrente las tres
Marías.
(Tanto las Tres Marías, que no aparecían en el texto evangélico, como el guerrero le ocasionaron serios problemas al pintor con el veedor de la Catedral de Toledo que, siguiendo su función, intentaba que el mensaje se ajustase completamente a los textos sagrados).
(Tanto las Tres Marías, que no aparecían en el texto evangélico, como el guerrero le ocasionaron serios problemas al pintor con el veedor de la Catedral de Toledo que, siguiendo su función, intentaba que el mensaje se ajustase completamente a los textos sagrados).
La
unidad de composición es tan perfecta que todo el interés lo absorbe la figura
de Cristo. Establece una composición en círculo alrededor de Jesús.
El
rostro iluminado de Cristo y su túnica roja forman un contraste muy fuerte de
luz y color con las oscuros rostros de los acompañantes y con la entonación
gris que domina el cuadro.
Se
inspiró en iconografías antiguas bizantinas.
Martirio
de San Mauricio y la Legión tebana
Se
lo encargó Felipe II para decorar el monasterio de El Escorial
Se
narra el martirio del general romano Mauricio y de toda su legión por negarse a
participar en los sacrificios de los dioses paganos.
El
martirio de San Mauricio y la legión tebana, de un atrevido manierismo, resultó
demasiado extravagante para el rey.
En
el tema no destacaba en primer término el martirio, sino que en un rasgo muy
manierista éste quedaba en segundo plano, destacándose la faceta puramente
espiritual del acontecimiento.
Tampoco
agradaron al rey los colores, excesivamente fríos, ni los resabios manieristas
(figuras desproporcionadas, actitudes heterodoxas o ambiguas, sensación
compositiva de inseguridad y desequilibrio, distorsión de las figuras,
provocación en el espectador, y sobre todo sus colores inimitables, encendidos
e irreales).
Por
todo ello y porque la propia personalidad de El Greco se opuso a aceptar
cualquier rectificación proveniente de nadie que no fuera él, el rey desistió
de encargarle nuevos encargos, quedando así el pintor al margen de la Corte.
Entierro
del Conde de Orgaz
S.
XVI. Manierismo
El
Greco
Iglesia
de Santo Tomé. Toledo
Influencias
bizantinas En la parte
superior, donde está Cristo, recuerda un Pantocrator bizantino. La escena que
conforman Cristo, la Virgen y San Juan es una Deesis. Tema típicamente bizantino.
En
la casulla de San Esteban, se pueden apreciar las influencias de pintores como Tiziano,
en la pincelada suelta, los colores cálidos. En la misma casulla aparece
representado el martirio de San Esteban yen esa representación se aprecian
influencias de los estudios de anatomía de Miguel Angel.
Narra
un milagro que ocurrió en el S. XIV: San Agustín y San Esteban se aparecen para
enterrar a Gonzalo Ruiz, benefactor de la Iglesia, señor de Orgaz.
El
cuadro se realiza para ser colocado sobre la tumba del Conde.
La
obra está dividida en dos partes:
- La Gloria en
la que sitúa una “Deesis”
- La pincelada
suelta.
- La composición
está llena de dinamismo, escorzos, posturas forzadas. Entre los celajes
que representan el cielo, los santos y elegidos miran a Jesús que
centraliza la composición.Entre estos personajes se encuentra Felipe II.
- Los colores
fríos contrastan con los rojos.
- La tierra.
Más realista y serena.
- Aquí la
composición se cierra en torno al milagro. Un niño que mira al espectador
rompe la unidad compositiva.
- El espacio es
indefinido. Es más ocupa el espacio real de la tumba es decir el del
espectador.
- Los rostros
alargados, las manos y miradas expresivas. Serenamente asisten al milagro
como algo cotidiano y normal
Dos
elementos sirven de unión a los dos mundos:
- El ángel que
lleva el alma del Conde a la Gloria
- El crucifijo
que se eleva sobre la horizontal de los caballeros
- La importancia
de los Santos como abogados de los hombres y ejemplo a seguir.
- La importancia
de las buenas obras para la salvación
- El hijo del
Greco mira al espectador e indica con el dedo el milagro poniendo como
ejemplo la vida y muerte del Conde.
El
Greco, además de pintar cuadros religiosos, fue también pintor de retratos.
Uno
de los más conocidos es:
El caballero de la
mano en el pecho.
La persona retratada era de identidad desconocida, hoy se considera que es el marqués de Montemayor y notario mayor de Toledo, pero hasta hace poco se ha querido ver que podía ser una configuración de Miguel de Cervantes Saavedra.
Como
características destacan:
- El fondo oscuro
que contrasta fuertemente con dos puntos de luz que iluminan la cara y la
mano.
- La rigidez y el
hieratismo en la expresión y postura.
La adoración de los pastores
.jpg)
Segunda mitad del S. XVI Manierismo
El Greco.
Obra de la última etapa de su vida; la pintó para su tumba.
Óleo sobre lienzo.
Actualmente se encuentra en el museo del Prado.
Los pastores acuden a adorar al niño Jesús que acaba de nacer.
la
Gloria en la que ángeles en fuertes escorzos y movimiento celebran el
nacimiento de Jesús
la
tierra donde vemos a Maria y al Niño con un grupo de pastores que en composición circular lo adoran.
Es
una obra representativa de la transformación que el Greco sufre en Toledo,
aunque el extraordinario sentido del color nos recuerde su paso por Venecia y la
influencia de Tiziano en la forma de aplicar la pincelada
cada vez más suelta. La expresión de los personajes está llena de
espiritualidad, se alargan, se desmaterializan lo que nos lleva a recordar su
origen bizantino. Paralelamente a esta exaltación expresiva de espiritualidad
reflejada sobretodo en los pastores, se manifiesta también en esta obra el desinterés
por el escenario, tanto arquitectónico como paisajístico.
Le
da sobretodo importancia a los celajes, que, cargados de intensa emoción
mística, adquieren valor expresivo por sí mismos. A esta expresividad mística
contribuye también la luz, irreal como
toda la atmósfera del cuadro; no hay foco de luz natural, es
el mismo Niño el que se convierte en foco que ilumina a quienes le rodean.
Que
el Greco es el pintor" de las formas que vuelan ", queda reflejado en
esta obra.
_-_Laoco%C3%B6n_-_Google_Art_Project.jpg)
Otra de las últimas obras de El Greco
Una de las imágenes más enigmáticas de El Greco, al emplear la temática profana por primera vez en su vida. La temática y ala conocéis, del Laocoonte helenístico, sólo que aquí El Greco coloca como fondo la ciudad de Toledo, con el famoso caballo de Troya frente a la Puerta de Bisagra.
Los personajes tienen el canon alargado ya característico de El Greco. La obra quedó inconclusa con la muerte de El Greco en 1614.
domingo, 27 de marzo de 2022
EL RENACIMIENTO EN ESPAÑA (ARQUITECTURA).
El
Renacimiento en España no arraiga del mismo modo que en Italia. Se pasa casi
imperceptiblemente del gótico al manierismo.
Por un
lado, por la desconfianza por parte de la Iglesia que se aferra al estilo
gótico como el estilo oficial de una Iglesia en la que, salvo alguna excepción,
no hubo un clero humanista que viera en el lenguaje clásico un medio para
transmitir la fe.
Por otro
lado, no hubo en España una burguesía ciudadana y emprendedora que se
identificara con el ideal humanista como ocurría en Italia. La expulsión de los
judíos en el reinado de los Reyes Católicos y la derrota de las ciudades en la
guerra de las Comunidades en el reinado de Carlos I contribuyen a esta falta de
burguesía.
La
nobleza, terrateniente y cortesana, es junto con la Iglesia y la Monarquía la
clientela de los artistas y, en este ambiente social y religioso, la tradicción
anticlásica del gótico enlaza mejor con el manierismo y más aún cuando estalle
la Reforma protestante y España, con Felipe II, se convierta en la defensora de
la contrarreforma.
Distinguimos
hasta cuatro momentos dentro del arte renacentista español:
A)
PLATERESCO
Los
elementos del Renacimiento italiano se incorporan a modo decorativo a los
edificios góticos: grutescos, candelabros, cresterías, cupidos, paramentos
almohadillados. Es el estilo plateresco, llamado así por la decoración que recuerda las formas que
crean los plateros y orfebres.
Fachada de la Universidad de Salamanca
Primer
tercio del XVI. Maestro anónimo.
Construida
en tiempos de Carlos V, es un derivado de la fachada retablo gótica que
caracterizó la arquitectura del reinado de los reyes católicos, una especie de “pantalla
decorativa” con un complejo programa iconográfico humanista. Se muestra pues, como
un tapiz decorativo independiente del resto del edificio, en el que se
superponen tres niveles, convertidos en una singular retícula gracias a frisos
y pilastras. El último se remata con una crestería interrumpida por
candelabros.
La pared
parece una labor de repujado en plata (de ahí “plateresco”). Destacan como elementos
decorativos los grutescos vegetales y animales.
La
ornamentación aumenta en textura y exuberancia conforme asciende, pasando de
temas sencillos en el nivel inferior, hasta los más recargados en los pisos
superiores, cuya iconografía presenta una alegoría sobre el amor como virtud y
como vicio, refrendada por la figura del papa.
Os dejo
por aquí un par de vídeos que en los que se nos comenta la fachada desde el
punto de vista histórico e iconográfico (los dos os pueden ser útiles, aunque
de cara a un posible comentario de esta obra nos interesaría más el segundo).
Y un último vídeo en el que se nos explican diferentes hipótesis sobre algunos de los motivos iconográficos; controversias aparte, lo que tenéis que tener claro es que aunque la identificación de alguno de los personajes pueda estar confusa,
todo el conjunto forma un programa iconográfico humanista,
acorde con la institución universitaria que lo acoge,
añadiendo una serie de motivos heráldicos alusivos a la monarquía.
Palacio de Cogolludo (Guadalajara)
Lorenzo
Vázquez. Palacio concluido en 1495.
Solo
conservamos la fachada, de características florentinas renacentistas, como el
almohadillado y otras de corte clásico romano, como el ritmo con el que se
distribuyen las ventanas.
Convento de San Esteban
(Salamanca)
Juan de
Álava. 1524. Este arquitecto estaba vinculado constructivamente al último
gótico, pero fue aportando paulatinamente soluciones y elementos renacentistas.
Fue el encargado de remodelar este convento de los dominicos en Salamanca. La
iglesia, con un gran sentido de amplitud, con una sola nave, se comunica con el
exterior a través de una monumental tipo retablo, cobijado por gran arco de
medio punto sustentado sobre dos grandes contrafuertes. El grutesco, con
elementos mitológicos se combina con representaciones religiosas, como las
escenas centrales del martirio de San Esteban y del Calvario.
Portada del Convento:
Esta fachada de estilo plateresco es lo que más llama la
atención del exterior del convento por la riqueza de su ornamento. Fue
concebida como portada-retablo, se apoya sobre dos contrafuertes que sostienen una
arcada con artesonado de tipo milanés, decorado con pinjantes (pinjante es el motivo ornamental en forma de florón colgante que está colocado en la intersección de los nervios de la clave de una bóveda, en la dovela central de un arco o cualquier otro elemento arquitectónico), dando lugar a una estructura que nos recuerda a un arco de triunfo.
Pinjantes en los casetones
Compuesta de tres cuerpos, en el inferior podemos contemplar
a Santo Domingo, San Francisco, San Jacinto y Santa Catalina de Sena que son
los cuatro santos de la orden dominica. En los medallones de las puertas están
representados Moisés y Elías y en los extremos, también bajo doseletes, los medallones con los bustos de Adán y Eva en las paredes. En
el resto de medallones están representados entre otros Santiago, David y San Jorge.
En el segundo cuerpo, en el centro, está representado en
relieve el martirio de San Esteban, los
medallones pertenecen al Santo Job, a Salomón y a Abraham, con el sacrificio de Isaac, todo
ello flanqueado por los doctores de la iglesia: San Andrés, Santo Tomás, San
Juan Evangelista y San Pedro Mártir. En el relieve del martirio se puede
apreciar donde el santo está postrado el nombre del artista de la obra y en la piedra que sostiene uno de
los verdugos está impresa la fecha de terminación de la obra 1610.
En el cuerpo superior
un Calvario, obra de Juan Antoni Ceroni (el mismo que el martirio) del
siglo XVII y sobre él, el Padre Eterno, junto con San Pedro y San
Pablo en medallones y San León y San Gregorio a ambos lados del calvario. Como siempre, junto a la cruz se encuentran María y Juan.
De cara al significado; una de las cosas más llamativas de toda la fachada es su enorme variedad de grutescos al modo clásicos.
Estas formas (derivadas de las decoraciones encontradas en la Domus Aurea, antiguo palacio de Nerón, en el renacimiento o de otras obras romanas como los relieves del Ara Pacis) son puramente decorativos, sin ninguna iconografía previa.
Entre ellos encontraremos los característicos candelieri o candelabros de formas imaginativas de carácter vertical.
Es habitual también la aparición de todo tipo de formas monstruosas, habitualmente pareadas en espejo
Formas vegetales enrolladas (roleos)
O putti, ángeles (en realidad, victorias) en las más variadas posturas y quehaceres
El pórtico que da acceso al convento está compuesto por
arcos de medio punto inspirados en la logias renacentistas italianas, su escasa
ornamentación, destaca bajo la ricamente decorada fachada de la iglesia.
B)
EVOLUCIÓN HACIA EL CLASICISMO
Hay que
tener en cuenta que en este momento los arquitectos no se ciñen a un estilo
único. Hasta aproximadamente 1560, según fuera el tipo de edificio o el gusto
de la clientela, los edificios serían de corte gótico, plateresco o clásico; aunque
la tendencia es que con el tiempo se vayan encaminando hacia ese clasicismo
manierista que culminará en la obra del Escorial.
El
arquitecto Rodrigo Gil de Hontañón es el que mejor ilustra la libre utilización de todos los
lenguajes arquitectónicos vigentes en este momento.
Con su
obra nos muestra que el Renacimiento en España no tiene un modelo único. El
eclecticismo, la descontextualización y el juego sorpresivo son características
de este arquitecto. Realiza obras góticas como la catedral
de Segovia y los trabajos para la nueva de Salamanca, platerescas como el palacio de Monterrey en Salamanca, o ya mucho más renacentistas como la fachada
de la universidad de Alcalá.
Fachada
de la Universidad de Alcalá de Henares
La fachada está rematada en la parte superior con un a galería y un
frontón triangulas que corona el cuerpo central.
La decoración se concentra en el eje principal (cuerpo central), dotando
a la composición de un impulso ascensional.
La decoración escultórica se sitúa en los frontones (triangulares y
semicirculares) de los vanos.
Temática heráldica de exaltación del Imperio.
El remate en la parte superior con balaustrada y candeleros es herencia
del primer período renacentista.
El gusto por lo clásico se aprecia en
la simplificación y reducción del ornamento, prescindiendo del grutesco
y de la decoración en candelieri, y sustituyéndo esa decoración por columnas
sobre plinto.
Diego de Siloé
Escalera
Dorada
La obra fue encargada en 1519 por el cabildo de la catedral de
burgos y el obispo Juan Rodríguez de Fonseca, quienes la costearon. Silóe, en
esta su primera obra en España, aplica la lección aprendida en Italia de la arquitectura bramantesca organizando una estructura monumental en la que el
arranque de la escalera, con un sólo tiro inicial, se bifurca en dos paralelos
al muro del fondo que, tras sendos rellanos, ascienden en sentido contrario
hasta alcanzar la puerta. La estructura se enriquece con la apertura de tres
nichos funerarios y con un suntuoso barandal plateresco de hierro sobredorado (1523-1526) del Maestro
Hilario, rejero francés. La escalera comunicaba la puerta de la Coronería con
la catedral, salvando con mucha originalidad un desnivel de casi ocho metros.
El arquitecto Charles
Garnier se inspiró en
ella para la gran escalera de la Ópera de
París.
Actualmente la
puerta de la Coronería está permanentemente cerrada y la escalera ha perdido su
uso para el tránsito público. Sólo se utiliza para instalar en ella la custodia
con el Santísimo Sacramento en Semana Santa (Jueves y Viernes
Santo).
C) ARQUITECTURA PURISTA
C) ARQUITECTURA PURISTA
Durante el reinado de Carlos
V (1519–1558) la arquitectura se despoja de la decoración plateresca en
favor de un purismo clásico, aunque ya en esta época, también en España, había
hecho su aparición el manierismo.
El palacio de Carlos V de
Granada y la Catedral de Granada son ejemplos de la arquitectura
de este reinado.
Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada
Siglo XVI (iciciado en 1526). Pedro
Machuca
El emperador Carlos V, enamorado de la Alhambra, hizo construir en su mismo corazón un palacio, símbolo del impero y de su impulso renovador.Fachada: dos pisos en los que se superponen los
órdenes toscano y jónico.
En el
patio interior porticado, dividido en dos niveles que superponen los
órdenes toscano y jónico. Contrariamente a las tradicionales arquerías italianas, los alzados son adintelados y se separan mediante un entablamento presidido por un friso de triglifos y metopas.
Esta ordenación en dos pisos se repite también en la fachada, donde se superponen pilastras dórico-toscanas y jónicas , separadas por un entablamento intermedio. Sin embargo, el almohadillado rústico y pesado de esta fachada supone una ruptura manierista con el equilibrio conseguido en la coherencia interior-exterior. Así, al interior clásico, de equilibrio y perfección renacentistas, se opone un exterior manierista, pesado, complejo e irregular.
En la
planta el círculo es acogido por un cuadrado. Su simbología parece entroncar con a idea clásica de la divinización imperial, aplicada esta vez al monarca capaz de formar un nuevo imperio cristiano.
Catedral de Granada
Siglo XVI
Se proyecta como catedral gótica y se convierte en
renacentista cuando Carlos V decide situar su mausoleo en la catedral.
Autores:
·
Gótico: Enrique Egas (1523)
·
Renacimiento: Diego de Siloé (1528)
Siloé convierte la cabecera en un espacio circular
acorde con los ideales renacentistas. De este modo generó una iglesia de planta
mixta, en la que el cuerpo basilical gótico de cinco naves respondía a las
exigencias litúrgicas, y la cabecera, capilla mayor, a las funciones
funerarias.
La capilla mayor, de 22 metros de diámetro, alcanza
los 45 metros de altura gracias a una cúpula nervada. Construida con materiales
ligeros, la cúpula reposa sobre seis gruesos pilares.
El alzado de la capilla se caracteriza por un doble
cuerpo de ventanas, cuyas vidrieras muestran un amplísimo programa
iconográfico. El omnipresente color dorado contrasta con la luz diáfana que
inunda el resto del blanco interior de la catedral.
D)
EL ESCORIAL
S.XVI.
¿Qué llevó a Felipe II a dedicar el Escorial a San Lorenzo? Tal vez un voto expiatorio por haber destruido una iglesia dedicada al mártir durante la toma de San Quintín; tal vez la devoción profesada a este santo, quemado en una parrilla, cuyo martirio es evocado por la forma reticular del conjunto arquitectónico; tal vez el agradecimiento por la batalla ganada a los franceses en el día de San Lorenzo... De lo que no hay duda es del fin del edificio: ser el mausoleo monumental que albergaría las tumbas de la dinastía de los Austrias.
Arquitectos: Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera
Arquitectos: Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera
Obra de
corte manierista.
Juan Bautista de Toledo colaboró con Miguel Ángel en la basílica de San Pedro del Vaticano.
Juan de Herrera viajó por Europa con el séquito del príncipe Felipe e inventó máquinas para el levantamiento de piedras e instrumentos de medición náutica. Felipe II se involucró en el proyecto del el Escorial hasta el punto de tomar algunas decisiones no compartidas por sus arquitectos.
Juan Bautista de Toledo colaboró con Miguel Ángel en la basílica de San Pedro del Vaticano.
Juan de Herrera viajó por Europa con el séquito del príncipe Felipe e inventó máquinas para el levantamiento de piedras e instrumentos de medición náutica. Felipe II se involucró en el proyecto del el Escorial hasta el punto de tomar algunas decisiones no compartidas por sus arquitectos.
En honor
al arquitecto recibe el nombre de estilo herreriano y se caracteriza
por:
-
la austeridad
decorativa
-
la geometría
-
la perfecta sintonía
con la sobriedad propugnada por el catolicismo español.
-
monumentalidad que
responde al esplendor de España en esos momentos.
Se
utilizan los elementos clásicos, pero de gran envergadura.
También se
conoce con el nombre de “escurialense”, referido al Monasterio de El Escorial.
Conmemora la victoria
de San Quintín (1557) sobre los franceses. Esta victoria se produjo el día de
San Lorenzo.
El Monasterio cumple una funcionalidad múltiple:
- Palacio
- Iglesia
- Panteón
real
- Monasterio
( centro cultural)
Planta
Amplio
rectángulo del que sobresale al fondo la parte del edificio dedicada a los aposentos
reales, es decir al palacio (1).
En el centro del rectángulo se eleva la iglesia (2) con planta centralizada, de cruz
griega. El crucero se cubre con cúpula. La cúpula sobresale por encima de todo el conjunto monumental para dejar clara su vocación religiosa. Debajo del presbiterio se encuentra el
Panteón Real. Está inspirada en la primera basílica de San Pedro Vaticano.
Se accede
al Templo desde el patio de los Reyes (3) A la derecha de la iglesia se
encuentra el claustro de los Evangelistas (4).
La planta
tiene forma de parrilla en alusión al martirio de san Lorenzo.
(2)
Exterior
Materiales:
pizarra y granito.
Sobriedad y
austeridad que contrasta, que crea tensión, con la grandiosidad y
monumentalidad del edificio.
Monotonía:
series repetitivas de ventanas sin decoración. Frialdad exagerada.
Torres con
cubiertas de pizarra apiramidadas (chapiteles), en los ángulos
Torres de
la iglesia y cúpula.
Tejados de pizarra
con buhardillas.
Herrera
crea un nuevo elemento decorativo: pirámides con bolas en el vértice que
coronan elementos altos de la construcción.
Irracionalidad
manierista de este elemento decorativo
Fachada y portada principal del monasterio
La parte central de la fachada rompe con la horizontalidad aunque no
desaparece la monotonía, la frialdad y grandiosidad
Pórtico de dos cuerpos. Columnas dóricas en el inferior y jónicas en el
superior. Ambas de orden gigante En el centro un nicho u hornacina con la
imagen de San Lorenzo. Se remata con un frontón.
Sobre el entablamento del primer cuerpo, con triglifos y metopas,
observamos pirámides con bolas, elemento decorativo que se repite en el
remate del frontón.
Esta fachada no da acceso al templo sino a un patio, el patio de los
Reyes. Es una fachada pantalla.
(Fachada pantalla que se abre a un patio y no al templo. Destruye
la correspondencia clásica entre la fachada y la estructura).
 
Patio
de los Reyes y fachada del templo
El patio
separa la fachada del monasterio de la fachada de la iglesia.
Al fondo
del patio la fachada de la iglesia flanqueada por dos torres.
En el
primer cuerpo vemos columnas adosadas de orden dórico gigante. Entablamento
con triglifos y metopas. Sobre pedestales estatuas de los Reyes de Israel que
dan nombre al patio. El segundo cuerpo se remata con un frontón.
   
Claustro
de los evangelistas
Cada lado
del patio está compuesto por once arcos que forman dos pisos, el primero en
orden dórico con basa y el segundo en orden jónico.
En el
centro del patio se levanta un hermoso templete realizado en piedra. Se puede
leer en él la influencia bramantesca de San Pietro in Montorio.
La idea
del patio como un nuevo Paraíso Terrenal puede verse también en las cuatro
fuentes que surgen del templete, que recuerdan los cuatro ríos que surgían
del centro del Paraíso citados por el Génesis.
La
decoración del templete está compuesta por las esculturas de los cuatro
evangelistas: San Mateo, San Lucas, San Marcos y San Juan
 
El empleo del orden
gigante, la fachada pantalla, la
tensión entre la geometría grandiosa y monumental de su traza que contrasta
con la monotonía austeridad y frialdad que transmite el monumento son rasgos
manieristas.
También las bolas sobre
los vértices de las pirámides producen desasosiego por su irracionalidad.
Todo el monasterio
está impregnado del espíritu religioso de la Contrarreforma. El panteón, está en un monasterio para
que los monjes recen constantemente por la salvación de las almas allí
enterradas.
En un monasterio
vive como un monje y con toda austeridad el rey más poderoso de la tierra.
Esta obra ejercerá una gran influencia en la
arquitectura de la primera mitad del S.XVII. El monasterio, iglesia y palacio de San Lorenzo del Escorial responde a varios planteamientos: · Afán centralizador: crear un microcosmos organizador del Estado, centralizar el poder en una sola persona y en un sólo espacio para que Felipe II gobierne su Imperio desde allí. Es la teoría de la Monarquía Absoluta materializada en un complejo arquitectónico. · Unión Iglesia-Estado, Felipe II quiere ser el defensor del catolicismo frente a la Reforma luterana. Por eso, como un departamento más de su poder, en El Escorial debía haber una Iglesia y un monasterio. La Iglesia se defiende así de la Reforma y el rey encuentra en ella otro elemento de cohesión nacional. |
¿Damos una vuelta por el Escorial?
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