RUBENS Y REMBRANDT

Tras el triunfo de la Reforma protestante, los Países Bajos quedan divididos en dos territorios con características distintas:

Flandes que permanece unida a España

En Holanda triunfa el protestantismo y se independiza de España.

La pintura de estas dos escuelas refleja estas diferencias políticas, religiosas y sociales.

PINTURA FLAMENCA (RUBENS)

La pintura de esta escuela refleja las características sociales, económicas,  políticas y religiosas de estos territorios que hasta finales del siglo XVII  continuaron unidos a España. País católico. Los temas de su pintura serán religiosos y al servicio de la   Contrarreforma. El retrato y los temas mitológicos en relación con el poder absoluto del  rey y la importancia social de la nobleza. Paisajes, escenas de género, bodegones... Estos temas entroncan con la  tradición flamenca. Pintores: ·         Rubens ·         Jordaens ·         Van Dyck Nace y se forma como pintor en Amberes. Pero será su estancia en Italia  lo que termine de formar a este pintor flamenco. En Italia aprende de Tiziano, Miguel Ángel y Caravaggio. En Amberes abre un taller con numerosos artistas para atender los numerosos  encargos que tiene. Rubens dibuja las composiciones y bocetos, los artistas del taller trabajan en el cuadro cada cual en su especialidad y Rubens da el  acabado final. Características de sus obras: La línea curva y las diagonales llenan de movimiento las composiciones. Colores vivos, brillantes, de influencia veneciana Formas robustas inspiradas en Miguel Ángel. Desnudos de formas gruesas y carnes blandas reflejo del ideal estético de la época. Tratamiento de la luz basado en Caravaggio. Trata todos los géneros: religioso, mitológico, paisaje, retrato, escenas de género...                                                                 RUBENS El descendiniento de la Cruz 1612-1614 Óleo. Tabla Catedral de Amberes Forma parte de un tríptico ejecutado para la Catedral de Amberes (las tablas laterales representan La Presentación en el Templo y la Visitación de la Virgen a su prima Isabel).  Es una de sus obras más conocidas. Tema religioso.  La expresividad viene dada por la luz que cae en cascada desde lo alto de la cruz y por el uso del color, un rojo extraordinario que rodea la grandiosa palidez de Cristo. Frente a la asimetría aparente de la composición, se observa cierta simetría mediante la diagonal que baja desde la derecha, marcada por el cuerpo de Cristo y la sábana que casi lo envuelve.  Las figuras ocpan casi todo el espacio y los cuerpos son muy volumétricos y con gran musculatura (miguelangelescos, en la línea del Laocoonte). Sabe combinar línea y color (la línea y la importancia del dibujo de fondo, queda destacada en la figura de Cristo que se recorta sobre la sábana). Los colores son más destacados en la parte central. El movimiento y dinamismo de la obra aparece en todos los personajes pues, cada uno de ellos se mueve como elemento sustentador y de apoyo del Mesías. Incluso el Cristo muerto conserva sus músculos en tensión y se ve movido por la gravidez hacia el suelo. Todos los personajes dirigen sus ojos hacia la figura del Hijo de Dios. Claroscuro más movimiento se traducen en "dramatismo". “Pero por importante que sean la belleza del colorido y su composición no son lo primero que sorprende al espectador. Los ojos se sienten inmediatamente atraídos por la figura de Cristo muerto” Aspectos formales y técnicos del barroco al servicio de la religión católica. Busca atraer la mirada y provocar sentimientos de piedad. Las tres gracias Sensualidad y dinamismo 1639 Óleo. Tabla S. XVII Museo del Prado Tema mitológico Las tres Gracias, hijas de Zeus y de la ninfa Eurimona, eran las diosas del encanto, de la belleza y de la alegría. Acompañan a Afrodita y a Eros. Aparecen representadas como tres jóvenes desnudas o cubiertas con finas gasa, forman un círculo según el modelo tradicional de la Antigüedad clásica. Las Tres Gracias es la obra más famosa de Rubens.  Fue adquirida por Felipe IV entre los bienes del pintor (Rubens conservó este cuadro hasta su muerte), subastados tras su fallecimiento. Su condición social y económica le permitía pintar no sólo por encargo, sino también por puro deleite. Se identifica a la mujer de pelo castaño con Isabella Brandt, primera mujer del pintor, y a la mujer rubia de la izquierda con Helene Fourment, su segunda esposa. Se dice que ésta, al morir Rubens estuvo a punto de quemar este cuadro argumentando que desprendía una "sensualidad pecaminosa" Rubens mantiene la composición clásica, pero cambia la relación entre las tres figuras que están conectadas entre sí a través de los brazos, el velo y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad al grupo.  También ha cambiado el canon de belleza, empleando el típico de sus pinturas, con mujeres entradas en carnes pero proporcionadas, elegantes.  La temática mitológica servía como justificante a los pintores barrocos para realizar estudios del desnudo femenino. La sensación de movimiento y gracia que irradian las tres jóvenes es excelente, obteniendo el efecto de invitar al espectador a integrarse en la danza.  El fuerte foco de luz que utiliza el maestro resalta el colorido perlado de las muchachas. El color rosado de la carne de las protagonistas, además de denotar salud, es importante para crear un efecto cromático de contraste entre los cuerpos y los tonos amarillos y azules de suelo y cielo. En el fondo se observa un paisaje idílico, con animales que pacen. Para esta obra se pudo inspirar en las tres gracias de Rafael, que a su vez se inspiró en una escultura romana clásica. Rafael también las presenta bailando, entrelazadas, aunque las formas del pintor renacentista son evidentemente menos movidas, "menos barrocas".   De Tiziano y de la escuela veneciana toma los colores cálidos y susntuosos. Otras obras de Rubens La adoración de los Reyes Magos En gran formato, óleo sobre lienzo. La obra fue realizada en su primera época, en 1609, encargada por la ciudad de Amberes para uno de los salones del ayuntamiento de la ciudad, pero en 1612 el cuadro fue regalado a Rodrigo Calderón, político y militar español, como símbolo de la unión de ambos países, y de éste pasó a formar parte de las colecciones reales. Por ello, más tarde, en 1628, Rubens, al entrar en la corte española se reencontró con su cuadro veinte años después y decidió "remodelarlo". Tiene una composición "en cuña", que parte del niño Jesús, que brilla con luz propia, mientras que un efecto "casi" tenebrista se extiende por el resto del lienzo. "Cuerpos escultóricos miguelangelescos y luces venecianas". Lo abigarrado de la composición crea un gran sensación de movimiento, pero todo está estudiado y las figuras están ordenadas con gran maestría. En la parte superior, donde Rubens añadió una gran tira de lienzo, representón un oscuro cielo nocturno con dos ángeles. También añadió una banda de lienzo a la derecha, en la cual se autorretrató a caballo, legitimando así su posición de caballero. El rapto de hijas hijas de Leucipo Comentada en la Pág. 258 del libro de texto. La mitología le permite representar desnudos de blandas carnes y en violentas actitudes.  Retratos Retrato ecuestre Rancisco de Sandoval,  Duque de Lerma Pintado en 1603, durante la estancia de Rubens en España. En los retratos Rubens da una imagen solemne y llena de Boato. Se trata de un auténtico "elogio" a la figura de uno de los personajes más famosos y poderosos de la época, el valido (mano derecha) del rey Felipe III. La disposición es atípica para un retrato ecuestre, ya que lo coloca de frente, en escorzo, y con el punto de vista del espectador muy bajo, como si el caballo nos fuera a arrollar. Al fondo, en la lejanía, se aprecia el fragor de la batalla. El retratado aparece con una pulida coraza que destaca por su realismo y detallismo. En la mano derecha porta el bastón de mando, con el brazo también en escorzo. También añadió algunos elementos simbólicos, como una araña representando el mal, o un asno con los ojos vendados, que mira en dirección opuesta al niño, representando la ignorancia d elos que rechazan a Jesús. PINCHAD AQUÍ. En este enlace podéis ver comentadas más obras  de Rubens (muy recomendable).

PINTURA HOLANDESA (REMBRANDT)

A mediados del Siglo XVII las provincias del norte de los Países Bajos se separan de Epaña y nace una nueva nación: Holanda

Desde el punto de vista político se constituye en una república.

Mientras Flandes (Bélgica) continúa unida a España y por lo tanto dentro de la iglesia católica, los holandeses adoptan la religión protestante (Calvinista).

La sociedad holandesa es burguesa

La economía capitalista y mercantil

En cuanto a los temas, desaparece la pintura de iglesia y los formatos se hacen pequeños adaptados a las viviendas burguesas.
Pierde importancia la mitología y gana el retrato, tanto individual como colectivo (doelen)

El paisaje, género innovador en la pintura barroca holandesa, los bodegones austeros y los interiores domésticos que transmiten una atmósfera sencilla y apacible.

Pintores

Fran Hals

Rembrandt

 Vermeer

 Ruisdael

REMBRANDT

Su obra abarca los más diversos géneros: paisajes, naturalezas muertas, temas mitológicos, escenas religiosas (Cena de Emaús) y especialmente retratos, tanto individuales ( Saskia, Tito, numerosos autorretratos), como colectivos ( La lección de anatomía del doctor Tulp, Los síndicos de los pañeros y La ronda de noche). Realizó también grabados.

En su obra realiza una reflexión sobre la condición humana; está preocupado por captar el universo interior del hombre, lo invisible. Para él tienen más importancia la veracidad y la sinceridad que la belleza clásica.

La luz en Rembrandt no es natural, sino una forma de expresión profunda y espiritual. Con la luz transmite poesía, lirismo, sentimientos. La luz en sus cuadros define el espacio y crea atmósfera.

Su pincelada es densa y pastosa.

El pintor de la luz dorada ha ejercido una notable influencia en los pintores que han dado primacía al color, como Goya, Delacroix y los impresionistas.

Obras de tema religioso:
Rembrandt también nos muestra que la luz y la sombra se pueden utilizar para controlar donde caerá el ojo del espectador, y oscurecerá los detalles poco importantes. Rembrandt juega con las sombras. Muchos de sus personajes salen de las sombras; éstas tienen argumento; las sombras de Rembrandt, siendo inmateriales, tienen sustancia. Mediante la luz es capaz de transmitir profundas emociones internas.
Emplea colores menos brillantes que Rubens o Velázquez; la mayoría de sus cuadros parecen dominados por una coloración parda oscura; aunque esas tonalidades confieren mayor vigor a las zonas de matices claros y brillantes con tonos dorados.
Descendimiento 1634. Óleo sobre lienzo. La luz, al estilo de Caravaggio, destaca la escena principal. Como pintor barroco se interesa por los escorzos, a veces exagerados, como en la postura de Cristo. En la composición a base de diagonales podemos ver similitudes con Rubens.
Retratos individuales: Su hijo Tito Saskia como Flora Jan Six
Retratos colectivos
En Holanda las corporaciones profesionales encargaban retratos para dejarlos expuestos en los locales de la corporación. Como norma, en la composición se respetaba el rango de los retratados. Rembrandt a veces no respetó esta norma.
Lección de anatomía del doctor Tulp Se trata de un retrato corporativo, típico de la tradición pictórica holandesa. 1632. Óleo. Lienzo. 169 x 210cm. Lo hizo con veintiséis años y tras ella comenzaron a lloverle los encargos. Es una de las pinturas de medicina más famosas del mundo, por la temática y por la originalidad del planteamiento. Rembrandt pinta este cuadro para la sede social de los cirujanos de Amsterdan. Emplea el clarooscuro como medio de expresión El doctor Tulp, profesor de anatomía del gremio de cirujanos, inicia la disección de un cadáver ante la atenta mirada de siete personajes. El cadáver pertenece a Aris Klindt , colgado por ladrón. El ayuntamiento cedía un cuerpo al año, y dicha lección de anatomía fue un hecho real al que probablemente Rembrandy asistió.  No se ahorran detalles los tendones, los músculos, las pinzas separadoras y el tono blanquecino del cuerpo en contraste violento con los negros atuendos de los alumnos. Rembrandt subordina el rango individual de los personajes a la acción narrada, rompiendo la rigidez que era propia de los doelen (retratos grupales). La luz es irreal, procede de arriba y acentúa el contraste entre la frialdad del cuerpo desnudo del cadáver y los rostros vivos y cálidos de los asistentes a la lección. El claroscuro unido a la calidad atmosférica consigue que la cena adquiera intensidad y se marca el relieve escultórico de las figuras. La composición es piramidal Uno de los asistentes sostiene un folio con el nombre de los siete participantes que pagaron por asistir a la clase. En la pared del fondo aparece el nombre del pintor y la fecha (1632). A los pies del cadáver aparece un libro abierto, probablemente un manual de anatomía de Andrés Vesalius, creador de la anatomía moderna. No fue la única obra de Rembrandt con esta temática, en 1653 pintó Lección de anatomía del Doctor Deijman. en ella podemos ver una disección del cerebro del cadáver que se encuentra colocado en un fuerte escorzo.
Los síndicos de los pañeros Se trata de un retrato corporativo, típico de la tradición pictórica holandesa. Óleo sobre lienzo. 1662. Más de 2'5 x 2'8m. Enncargo de la Coorporación de Fabricantes de Paños.  Seis personajes distribuidos en el espacio de forma muy equilibrada nos miran intensamente y parecen conversar con nosotros. Miran desde arriba, lo cual subraya su importancia como síndicos de tan poderoso gremio, encargados de supervisar la calidad de los trabajos. El pintor tuvo en cuenta el lugar donde se iba a colocar el cuadro: en la parte alta de la pared en el edificio del mismo gremio de pañeros. Para tal efecto adaptó la perspectiva de la mesa, de modo que el espectador mira un tanto a la parte baja de dicha tabla. Perspectiva, pues, de abajo a arriba. Como en la lección de anatomía, hace hincapié en captar la personalidad de los retratados. Los síndicos eran una de las principales figuras dentro del proceso de fabricación de los paños; se encargaban de que la tela se tiñese adecuadamente. En una mes cubierta por un paño rojizo y dispuesta en diagonal desde el primer plano, los síndicos se arremolinan en torno a la figura de su presidente que les muestra el libro de cuentas de la compañía. El artista ha sabido hacer un estudio psicológico de cada uno de los personajes. La iluminación se focaliza en cada uno de los personajes cuyo rostro se resalta aún más sobre el negro de sus vestimentas. Rembrandt ha utilizado una pincelada suelta, a base de manchas de color y de luz como el veneciano Tiziano, uno de sus maestros favoritos. A pesar de la magnificencia de la producción de Rembrandt, no será hasta Francisco de Goya cuando su obra sea redescubierta y valorada en todo su esplendor. Su arte influirá decisivamente en la pintura de los siglosXIX y XX, desde Goya, pasando por Delacroix, hasta llegar a los impresionistas.
La ronda de noche 1640-42. 363 x 437 cm. Óleo. Lienzo Se trata de un retrato corporativo, típico de la tradición pictórica holandesa. Fue un encargo de lo que hoy llamaríamos la policía municipal de Ámsterdam (asociación de arcabuceros). Tema: El pintor representa el momento en que la Compañía se pone en marcha, dirigida por el capitán Cocq y el teniente Van Ruytenburch. Aparecen 16 soldados, llevando banderas, mosquetes, alabardas, tambores. Vemos también otros personajes: tres niños corriendo y un perro que ladra, añadidos por el pintor para animar la escena. Composición: Muy compleja, aparentemente desordenada. Presenta al grupo de forma espontánea y libre, captado en un instante, como si se tratase de una fotografía. El centro de la composición lo forman el capitán y el teniente, organizándose el resto en grupos triangulares, con un movimiento curvo. Las diagonales dan dinamismo a la composición.
Rompe con las convenciones del retrato de grupo. Ordena a los retratados no por su jerarquía, sino por razones plásticas, supeditando sus intereses particulares a la unidad de la acción.
Rembrandt pinta sin apoyo del dibujo que pierde importancia frente al color. Los contornos están diluidos. El color ha sido aplicado con pinceladas anchas, espontáneas y pastosas. El cuadro está constituido por la luz y el color. La luz: Es la auténtica protagonista, la utiliza para componer el cuadro. La técnica es tenebrista, por influencia de Caravaggio. El pintor está preocupado por el claroscuro. Crea zonas de penumbra dorada frente a otras fuertemente iluminadas, que ciegan y deslumbran (como la niña que corre, con un gallo colgado en el cinturón). La luz emana del interior de las figuras, es irreal, creando una atmósfera mágica y misteriosa.La luz resbala sobre los elementos metálicos, dando mayor sensación de realismo.
El color: Es muy rico, lleno de contrastes y matices. Destacan el brillante amarillo del traje del teniente, frente al negro, con un fajín rojo anaranjado, del traje del capitán en el centro del cuadro. Predominan los tonos cálidos, dorados.
Estilo: Observamos todas las características típicas del Barroco: composiciones llenas de movimiento y dinamismo, con predominio de líneas diagonales y curvas; colorido rico y variado, con un color que unifica el cuadro (el dorado); contrastes de luces y sombras; desvalorización de la línea; realismo y gusto por el detalle; falta de claridad y confusión (lo más iluminado es lo que menos percibimos, como la enigmática niña), etc. Hasta el siglo XIX, el cuadro no recibe el nombre con el que lo conocemos hoy. La oscuridad de la escena es fruto de la oxidación del barniz, y no de la mano de Rembrandt. El título original de la obra era "La guardia cívica comandada por el capitán Frans Banning Cocq y el teniente Willen Van Raytenburch.
Significado: El pintor convierte un acontecimiento normal de la vida holandesa en un hecho grandioso y revolucionario. Rompe con las convenciones del retrato de grupo. Rembrandt ordena a los retratados no por su jerarquía sino por razones plásticas, supeditando sus intereses particulares a la unidad de acción. La mayoría de los retratados se quejaron porque todos no aparecían claramente ni mostraban con precisión el rango que poseían. El pintor demuestra su libertad de espíritu y su modernidad.  Aunque, como ya hemos dicho, esta es hoy una de las grandes obras de la Historia de la Pintura, su composición era demasiado innovadora para el gusto de su época y varios milicianos se quejaron por no reconocerse fácilmente después de haber pagado una importante suma de dinero al pintor holandés. Este fracaso, que le dio mala fama, junto con la muerte de su esposa, Saskia, hizo que Rembrandt comenzara un declive económico que, aún así, no afectó a su genio creativo. PINCHAD AQUÍ. En este enlace podéis ver comentadas más obras  de Rembrandt (muy recomendable)